艺说//抽象艺术的源流形式与美学追求

抽象艺术一般理解为一种不描述自然世界的艺术，反而透过形状和颜色以主观方式来表达。

简略理解：就是与自然物象极少或完全没有相近之处，而又具强烈的形式构成面貌的绘画。但在一些人看来，抽象是一种不美观的事物。

20世纪初期，抽象艺术主要是指表达自然世界的艺术，譬如立体主义和未来派艺术。虽然夺取某事它不变的内在质量而不是由仿效它的外在表现。

抽象艺术，特别是由抽象绘画是现代艺术中一个非常突出的现象，他完全打破了艺术原来强调主题写实再现的局限，把艺术基本要素，进行抽象的组合，创造出抽象的形式，因而突破了艺术必须具有可以辨认形象的籓篱，开创了艺术新的发展天地。

抽象一词的本义是指人在认识思维活动中对事物表象因素的舍弃和对本质因素的抽取。应用于美术领域，便有了抽象性艺术、抽象主义、抽象派等概念。

一般意义上说，抽象艺术是西方现代美术中特定的美术思潮和流派概念（可见，这一概念并不涵盖传统美术中具有“抽象因素”、“抽象手法”和“抽象样式”的美术）。在实际运用中，抽象性艺术的含义较宽泛，可以和具象艺术相对，概指西方现代艺术中各种具有抽象特性的艺术现象。而抽象主义和抽象派的含义较为狭义，特指抽象主义思潮及其流派。

从整体上看，20世纪的现代抽象艺术是对西方模拟自然美术传统的反叛。它反对客观地描绘自然物象，主张抽象分析和抽象表现。宽泛地说，现代抽象艺术包含两大类型：第一类是从自然物象出发的抽象，形成与自然物象保持有一定联系的抽象艺术形象；第二类是不以自然物象为基础的抽象，创作纯粹的形式构成。狭义的抽象艺术，即抽象主义思潮和流派则表现为第二种类型。它否定描绘具体物象，也不以自然物象为基础，仅以基本的绘画语言和形式因素创作纯粹的抽象绘画，借以表达某种情绪、意念等精神内容或美感体验。

概括地说，抽象画就是与自然物象极少或完全没有相近之处，而又具强烈的形式构成面貌的绘画。主要通过随机的图形组合表达一种情绪或立体概念。

抽象是具象的相对概念，是就多种事物抽出其共通之点，加以综合而成一个新的概念，此一概念就叫做抽象。抽象绘画(AbstractPainting)是泛指二十世纪想脱离模仿自然的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称：它的形成是经过长期持续演进而来的。但无论其派别如何，其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。1930年代和二次大战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。而当代中国现代抽象艺术与当代中国抽象国画的发展，主要是两种情况。一种是外生性的“中西融合”的当代抽象艺术，主要是外生性的参考西方当代艺术体系的中国化的现代艺术和当代艺术；一种是内生性的“后国画”的中国流艺术运动下的中国抽象国画艺术。

在西方的架上抽象艺术概念传进中国之前，中国历史的文字记载中一直没有出现过“抽象”两个字，抽象两个字的汉字翻译是从日本转过来的。在中国文字历史上，有意、象、意象和超象（超以象外，司空图语）的词义和抽象最接近。意可以解释为意境、意思、意念、意想等，象是“两仪生四象”、“大象无形“的象，意象是物象、表象、心象和语象合成的有机统一系统。和抽象相比，“超象”一词，超越物象、形象而非具象，可能比抽象更加贴切于“抽象”。但是，100年以来，进入中国文化语系的“抽象”一词的概念早已确立，后来者已经没有必要来改变这样一个既定事实。

抽象艺术不是20世纪才发明的。犹太教和伊斯兰教未允许对人的描绘，但结果开发了高标准的装艺术。书法也是非比喻的艺术形式。在摄影未普及的时候，有些艺术家譬如詹姆斯·麦克尼·惠斯勒已经很重视视觉多于对物件的描绘。惠斯勒坚信艺术要跟颜色和谐协调，正如音乐要跟声音和谐协调。惠斯勒的画“黑与金的小夜曲－下跌的火箭”(1874)标志著迈向抽象艺术的重要一步。最新艺术家譬如瓦西里·康定斯基争辩说现代科学应付了动态力量，显露事情藏在字内的最后精神。艺术应该在视觉世界之后显示精神力量。1911年，康定斯基、马列维奇、宫察洛娃、拉里欧诺夫的作品被认为是第一批完全的抽象画。

抽象画很难被人理解，要把生僻的作品形象化，比如涉及波洛克的绘画，就可以讲述他富有传奇色彩的经历。据说美国抽象表现主义画家杰克逊。波洛克（Jackson Pollock）曾举办过一次个人画展，为了了解别人对自己作品的看法，他便以观者的身份夹杂在参观者中间。很多人看过他的作品后都摇摇头走开了，波洛克很是无奈。忽然有一个小孩指着画中的某一部位大声喊道：“看呀，那个地方多像一只小鸟啊！”波洛克一惊，顺着那个小孩指的方向一看，果然那块儿色彩像一只小鸟。波洛克赶紧拿出事先准备好的画笔和颜料迅速地在那里画了几笔，然后问道：“现在还像小鸟吗？”那个小孩摇了摇头。于是波洛克露出了开心的微笑。这个故事虽然不一定真实可靠，但却生动形象地说明了抽象艺术不是以物象的客观外表为表达标准的。再有学生和初始抽象美术的人会对艺术家产生误解，认为他们是随意地胡来。在这一点上可以把艺术家的成就或简历介绍给观众，以免产生误解。如欣赏吴冠中的抽象绘画可以结合他的写实作品，介绍艺术家的成就，使学生对他们有一种崇敬之情，这样可以避免轻视抽象艺术行为的发生。

《老子》说：“有无相生，难易相成……”这是引导学生欣赏抽象美术的一种正确的思维方法。具象的作品从表面上看给人一目了然、栩栩如生的感觉，但我们要从更深的层次去思考它，否则就容易把作品肤浅化。抽象的作品从表面上看生僻、艰涩，什么也看不出来，可我们要把它简单化，从事物最本质的层面去认识它。只有这样我们才不会钻进抽象艺术的迷宫里去，从而能在艺术的海洋里得到熏陶，享受到美给我们带来的快乐。

绘画无主题，人们还可以理解，但是绘画无情绪，就可能难以理解。历来，艺术表现情绪，是几乎所有的抽象画家一致认同的，也是西方表现主义理论家所反复强调的。在这里“颠覆”这个观念，强调抽象艺术不需要个人情绪，理论基础是接受美学。接受美学的重要论点就是任何艺术是由接受者（读者、审美者）来最终完成，而不是创作者。由此引申，接受者完全没有必要跟着创作者情绪和思维走。而且画家的手和笔一旦离开了画面，艺术就独立了。画家在创作时的一厢情愿的“情绪和思想”其实已经被艺术的独立性所抛弃了。很多画家是在题目上让自己的情绪和思想得以保存。但是，“无题”作品出来以后，就彻底瓦解了这种“情感”维系。所以，画家作画时的情绪可以是创作的动力或手段，但不应该成为作品的主题或倾向。因为，即使是你自以为是的“情绪倾向”，到了“无题”境界，也已经不受你的控制了。怎么样创造独立的、不同的、丰富的、意味的、个性的作品情绪，而不是让作品宣泄自己个人的情绪，这是一切当代抽象艺术画家所必须面对的。

当绘画成为生命方式的时候，绘画是目的。形式就是为了形式而存在，抽象就是为了抽象而存在，这就是抽象画纯粹的目的和意义。

当你徜徉在世界各地的现代艺术馆里，可以发现抽象画无疑是比较吸引人的一种流派。那么，为什么看起来光怪陆离、非驴非马的抽象画能够吸引那么多的画家去探索创作，吸引那么多的观众去欣赏呢？

崇尚抽象是人的天性

人类对抽象的符号、文字、几何图形和图像的崇拜与敬畏可以追溯到3万多年前（旧石器时期）。从留存至今的洞穴壁画和石刻雕像中我们发现，原始艺术家在观察自然、描写外部世界的时候，已经使用了夸张、写意等抽象画法，取得了彰显人（物）特点的效果。旧石器时期作品维纳斯雕像，像高11厘米。这一尊雕像突出了女性肥硕的身躯、巨大的乳房和隆起的腹部，强调了母亲生殖繁衍的能力和特征，也体现了抽象艺术的表达魅力。

到了西方科学文化起源的古希腊时期，人们对抽象的数字和图像的崇拜更是有增无减。古希腊哲学家毕达哥拉斯提出了“万物皆数”的观点，认为世界万物的背后都隐藏着“数”，只要掌握了数的结构就能够控制世界。

公元前5至4世纪，雅典成为古希腊文化科学的中心，由于在波希战争中获胜，得到了大量的奴隶，城里的平民过上了悠闲的生活。但是，他们既不想发财也不想做官，只想泡泡澡、聊聊天，讨论的全是一些抽象的概念和最具普遍性的哲学命题。对于与生产和商业相关的实用性问题，大家都不屑一顾。后人嘲笑这些人，整天讨论几何学，自己的住房却没有一面墙是成直角的（已经倾斜了）。

究其原因，一方面是古希腊人对大自然充满了敬畏，迫切希望能找到一种超自然的力量来保佑自己的命运，所以对抽象的图像、文字、数字都会顶礼膜拜、充满期待。其二，抽象思维无疑是人类认知活动的核心能力，而且它又主要与个人的内禀和气质有关，所以为贵族和上流社会精英所推崇。

在建筑、雕刻、绘画和装饰等方面，古希腊人也同样表示出对抽象和理性的偏爱，虽然他们也提倡模仿自然，但更关注隐藏在形式背后的秩序、比例和数字。他们孜孜追求和谐与平衡，认为这才是真正的美。在雅典卫城的帕提侬神庙里，所有长方形的比例都符合数学中的黄金分割。当然，其中也不乏抽象元素：粗犷的多立克柱式体现了男性人体美，而纤细的爱奥尼克柱式则体现了女性人体美。古希腊的瓶画，可以欣赏到古希腊绘画艺术里的抽象特点（画中的人和物是经过变形和夸张的）。

古希腊绘画中的抽象元素在以后的年代里得到了传承，在伊斯兰、拜占庭和中世纪的建筑装饰的图案里常常可以看到它们的踪迹。

抽象符合认知的规律

抽象画在西方的再次崛起已经是20世纪的事了。一枝独秀的西方写实绘画光鲜了500年后渐渐露出了疲态，个别有想法的画家开始尝试新的探索。法国后印象派画家高更说：“艺术是抽象的，用你梦想中的东西取代自然吧！”

认知科学告诉我们，人在观察世界的时候并不只是用眼睛看，而是用视觉来感受。而视觉最主要的特点就是有所选择，它要选择自己感兴趣的东西来关注：删去次要信息，抓住主要环节——这就是一个抽象过程。从20世纪荷兰抽象画家凡·杜斯堡的作品《奶牛》的创作过程中，我们可以看到一个美妙的抽象过程的记录。我们首先看到的是一头完全可以辨认的奶牛，在经过抽象过程的两个阶段，牛渐渐变成了几何模块，与此同时画中模块的明、暗对比增强了，亮处更亮，暗处更暗，最后呈现的就是牛的抽象画。当你了解了这个抽象的过程，你也许会很快知道画的是一头牛。但是，如果你对这一抽象过程还不知情，那么你可能会把这幅画看成是烟囱、房顶，或者其他什么的。

抽象画代表人物荷兰画家蒙德里安与凡·杜斯堡可谓亦师亦友，他的艺术实践也展示了抽象的过程。《红树》是他的一幅早期作品，使用了野兽派的色彩，观者可以从中感受到树的生命力。几年后他画的《灰树》突出了树干和分支间的结构和关系，抹杀了树的环境和地点的特征走向了抽象。尔后，他又画的《开花苹果树》已不再表达真实的东西，以免引起情感而遮蔽纯净的自然。画中只见几何的曲线和弧线。

蒙德里安定型后的作品严格地只用红、黄、蓝三色（当时以红、黄、蓝为原色）以及黑色、白色，图形的边缘也都是直线，有人称之为“格子画”。《红、蓝、黄构图》是一幅极具活力的作品，色彩的张力使这些绝妙的图形显得紧密，粗细不等的黑色边界线包含着完美的平衡。许多人都对他孜孜不倦地重复画同一类作品感到不解，事实上这与他的宗教信仰有关系。他相信自己看到的山水、树木、房舍都有潜在的本体，画家的任务就是要把隐藏在其中的结构及和谐画出来。蒙德里安与凡·杜斯堡等画友组织了“风格画派”，也称“新造型主义”，他们的作品影响很大，也影响到建筑和装饰领域。

蒙德里安与画家凡·高是同乡，两人的处世风格也有点像，都是“一根筋”。凡·高曾经邀请高更一起生活，可是住在一起不到两个月就发生激烈争执，最后凡·高一怒之下用刀割下自己的耳朵。而蒙德里安与凡·杜斯堡也是志同道合的画友，一起创办了《风格》杂志，组织了学术社团。不过，后来分道扬镳了，分手的原因居然是蒙德里安坚持画中只能出现竖线和横线，而凡·杜斯堡却坚持斜线也是可以的。

蒙德里安的几何抽象画与传统绘画有很大的差异，观众看了也是反响不一。蒙德里安本人多次说过：“画作中那些矩形并不是随意安放的，它们构成的图案是平静的，远离紧张。”

但是，平静与否又由谁来裁判呢？1993年，英国伦敦大学教授、著名神经科学家西蒙·泽基用正电子发射计算机断层扫描（PET）发现，观赏几何抽象画者的大脑局部的血流量明显增加，增加最大的区域是腹侧通路的梭状回。他的论文《动感艺术的神经科学》发表在1994年的《脑科学》杂志上，引起学术界许多领域专家的关注。因为这样一来，对美感的研究不再依赖于对观者的心理活动的估算，而是建立在用现代计算机技术跟踪，并得到切实可靠的数据和图像的基础上。人们把这种方法称为“神经美学”。日前这一项研究正在渐渐走热，它不仅对绘画的视觉效果做出了科学的解释，还可以对大脑和视觉神经的疾患的发病机理和治疗手段有很大的帮助，我们期待着它的新成果。

康丁斯基(W.Kandinsky,1866~94)，抒情抽象派代表画家，曾是德国表现主义团体「蓝骑士」的领导者。主要作品:《即兴》，《构成第七号》

克利作品-几何抽象派代表画家。主要作品:《灰色的树》

马列维奇(K.C.Malevich,1878~1935)，俄国构成主义倡导者，也是几何抽象派画家。主要作品:《手足病医生在浴室》《玩纸牌的人》《无物象的世界》

库波卡(F.Kupka1871~1957)，捷克画家。

克利(P.Klee，1879~1940)，瑞士画家。

毕加索(1881年~1973年)。主要作品:《拿烟斗的男孩》《亚威农少女》《格尔尼卡》《瓶子、玻璃杯和小提琴》

艺术表达的是一种思想，没有思想性的东西与艺术没有一丁点关系，这是公识。

在国外艺术市场上，抽象性的画已经是一个独领风骚的门类，而国内的艺术品市场也必然会与国际接轨，因全球是一体化的，那时抽象性的画也必定会大行其道。

抽象化的作品基本上都属于有自我体系和创造力的艺术，当然这里所指的抽象是在传统基础上转化，具备一定功力而建立起的体系，并不是指毫无根基胡涂乱抹的那种恶作剧式的。抽象画不具备什么具体的含义，但表达的是一种纯粹的美感，而这种美感本身就是永恒的，属于艺术审美中比较本质的东西。

艺术本身就是揭示美感的，审美也是单纯的，只是在近代艺术被赋予了某种使命以后，才成为教化的工具，重视写实而冷落抽象。而作为真艺术的抽象恰恰就是把最单纯、最本质的东西抽离出来加以表现，而且使用性非常强。我们都有这样一个感受，看到一些图案化或色彩强烈感的作品，尽管不知表达的是什么，却感到内心很愉悦，这其实就是抽象本能或文化传统上的愉悦，抛开了一切外在附加的因素。

在抽象艺术世界里，抽象的色彩、线条、构图和色块来表现情绪和文化内涵。抽象艺术没有明确的逻辑和主题以及故事链条，抽象画以创新为首要目标，注重形式和绘画语言的简洁和纯粹性，不重视内容的实际性，以创造出新的鲜明的具有艺术家个人特色的绘画语言为目标。

抽象画有哪些艺术特征？

抽象画就是与自然物象极少或完全没有相近之处，而又具强烈的形式构成面貌的绘画。但在一些人看来，抽象是一种不美观的事物。

1、抽象表达是艺术的基本，抽象的结合能够创造出明确而分明的形式美，并且通过艺术的手段发展出抽象的艺术天地，通过艺术必须具备的可以识别的形象来打破具象艺术，彻底打破了原有艺术强调主题的写实表现的局限性，是现代抽象艺术中非常突出的现象。

2、抽象在西方现代艺术的语境中，特指抽象画流派和艺术思潮。抽象画有两种表达方式，一是简单而自然的方式提炼真实的主体。二是对自然形象的提炼，形成与自然形象保持一定联系的抽象艺术形象。

3、抽象画与具象画相驳，抽象画是人在认知活动中对外观因素的提炼和概括，在客观事物中找到主观需要表达的思想和内涵，因此与自然形象完全或很少有相近之处，但有强烈形式的形式绘画。

如何看懂抽象画和抽象艺术？如何欣赏抽象主义绘画呢？

波里布尼在著作《抽象绘画》中写到“抽象艺术真可称得上是二十世纪典型的艺术样式了，可是，没有一个人敢断言它属于通俗的艺术样式。尽管抽象绘画的价值不可低估，但它仍然没有成为大众文化的组成部分。”

卡伯特，黑尔在《艺术与自然中的抽象》也说到：“对二十世纪的艺术家来说，最大的挑战就是了解艺术的抽象语言。”

抽象艺术之所以很难理解，是因为抽象的东西没有具象的、具体的参照物。要想理解抽象艺术，必须要有较强的抽象思维，否则确有难度。一些来自画家以及美术理论家、评论家的一些可能引起质疑的观点、说法，确实造成了其他画家与观众的误解，以至于有些画家乱画，观众也就实在看不懂了。

抽象表现主义大师杰克逊。波洛克说“无意识才是艺术的源泉。”他还说过：“只有以后，我才看到我画了什么。”他主张，无主题等等。

我们主张抽象艺术是理性的艺术。只有理性的艺术才具有可诠释性、可解读性、可理解性、可欣赏性。我们为抽象艺术下的定义是：非具象、更纯粹的视觉艺术。我们所创建的色彩抽象主义绘画，就是要追求一种可以看得懂的抽象艺术。

抽象主义绘画如何欣赏呢？

一、直观的美丑

美学原理是艺术的基本原理，抽象主义绘画主张纯粹的美。观者在观赏一副色彩抽象主义绘画时，如果有“真漂亮”、“我喜欢”等感叹，就对了。

说明观众已经看懂了，体验到了直观的美观，得到了美的感官享受，作品也就成功了。

二、刺激想象力

“我没有感觉到美”、“我看不懂”，上文的第一点不需要看懂，而第二点则需要解读自我或画家的思想，要求观众发挥和挖掘，自己头脑里、肚子里、心里的各种知识，通过联想、归纳、演绎等方法，来对作品进行解读。比如，可以先用色彩学的知识来解读；其次，可以根据作品、画名、展会名称等信息线索，通过联想的方法来解读；再者，可以模仿类似宗教中的“冥想”、“禅定”、“感悟”等方法来寻求内心的感受，这也是一种解读的方法；甚至，可以从作品的色彩、纹理、笔触、技法等方面进行解读。

三、创新性解读

抽象艺术存在本身就是一种对美的创新性探索和实验，因此只以旧的、固定的标准来解读与评价现代艺术作品，显然是不妥当的。绘画艺术除了美学标准外，还有一些衍生的标准。比如：绘画技法、画法方面的、绘画内生发展规律方面的、教育功能方面的、意识形态方面的等等。因此在观赏色彩抽象主义绘画作品时，一定要了解当今世界或国内艺术的现状，以及今后可能发展的趋势，才能有目的、有标准、有比较地去解读。否则，评价的结果可能大相径庭。

四、各取所需、自得其乐

色彩抽象主义绘画可以为不同的观众群体，提供不同的作品，做到雅俗共赏。比如，一些观众喜欢简洁的、一看就懂的。则可以欣赏单色画，或类似于我的“古诗词系列”、“梦幻系列”等，表达比较直白、简单的作品。

那些一时间看不懂的作品，是需要更多的知识、更深入的思考，才能领悟的。因为好的作品会表现出更加隐秘、更加巧妙、更加高深的艺术表现力。就像精彩的魔术节目一样，是很难揭秘的，所以才是高级魔术、精彩魔术。那些难以理解或看似简单，实际又很巧妙的作品，可能更有深度、更精彩。

五、时常感悟

色彩抽象主义绘画如同禅意，一句话本来只能表达一种含义，但如果有一个东西能够在每时每刻都能呈现出不同的含义与见解，那么确实是一种神奇的存在，这边是抽象艺术。作品的解读绝非作者说了算，而是由作品、观众所决定的。观众从不同的角度来解读作品，会得出各种各样的诠释，这就是作品的魅力。好作品就应该具有较高的艺术表现力。色彩抽象主义绘画更是由于其抽象性，才会具有人看人异的感觉和效果。另外，作品由于受到作者的立场、观点、方法、认识等多种因素的影响，更因为观众的立场、观点、知识、思维以及社会环境、生活环境、个人处境、状态乃至时间等因素的影响，所以才会有常看常新的感受和认识。这也正是色彩抽象主义绘画的魅力之所在。

欣赏抽象绘画作品很重要的一点就是要打开心扉。

大家看到抽象画的第一反应往往是看不懂，习惯性地拒绝进一步的去亲近它。其实，没有看不懂的绘画，画面上面有几根线条，有几个颜色，一眼就能看到。它没有故事，也不需要说明，你看到了颜色和线条，也就看懂了这幅画。当人们能用这种直觉去欣赏抽象艺术的时候，这扇门也就此打开。欣赏艺术作品，很重要的就是你喜不喜欢。在欧洲，普通观众在看到艺术作品的时候，很少问这是什么意思，基本上都是我喜欢或者不喜欢。无论这幅画是具象的还是抽象的，人们会从喜好的角度出发阐释自己的感受。你欣赏的艺术品如同一见钟情的恋爱，只对你个人有意义。

由于我们从小受到的教育，人们通常是从故事和情节的角度去理解艺术作品，我们大多问题是“这是什么意思？”、“为什么是这样？”其实很多事情你不去问它有什么意思的时候，可能更接近和理解事物的本质。例如家里有一个沙发，沙发是红色的，你从来没问过这个红颜色什么意思？其实就是红颜色，你喜欢，你要热烈，你要激情。你家墙上的壁纸有很多70 花纹，你也从来不会问这是什么意思？其实没什么意思，它就是看起来协调与柔美。我们生活的视觉环境都是抽象的，人们面对这些环境会敞开心扉直接说，我喜欢，我不喜欢。面对一张抽象画的时候怎么就犹豫了呢？

抽象艺术最有意思的地方就是没有标准答案，它的答案是需要和观众共同来完成的。艺术家完成的作品是一个可能带有某种指向的空间，对于观者而言，不同的观众面对同样的一张作品的时候，答案有可能是不一样的。

所以，观赏者其实是一个作品创作的参与者，没有你的参与，作品就没有完成。我们需要用开放的心态去观看抽象艺术，需要用直觉与心灵穿透“懂与不懂”这个屏障，抽象艺术会给你带来一个新的体验。

整个美术史的发展脉络，实际上就是从描述性绘画到抽象绘画，把视觉语言简化和回归艺术本体的过程。抽象与极简主义艺术把我们带入到视觉感受和语言简化的极限。这既是一个制高点，同时也是一个终点。毫无疑问抽象绘画是这个语言纯化过程中最重要的阶段，排除了绘画语言本体中我们认为多余的、描述性的东西，过滤了表述的复杂方式，纯化了绘画的自建能力。

纵观美术史在欧洲文艺复兴之后，很多贵族阶层开始收藏绘画，那时的绘画从宗教附属功能向观赏性和装饰性转换。是艺术的自觉意识启蒙期，从浪漫主义开始它的个性化语言和自觉意识开始更加的强烈，现实主义点燃了现代艺术的星火，从塞尚之后绘画才完全脱离了它原有的状态，真正进入了绘画自身的领域与阶段——用更简练的语言，说绘画自己的事情，讲绘画自己的“故事”。对于观赏者而言无疑读懂和欣赏绘画的语言，甚至理解抽象的表现形式，需要有一个基本的对绘画发展过程的了解，尽管直觉是很重要的，会把你领入心灵。现代主义让绘画脱离了原本的功能和附属性，它获得了最大量度的个性发挥，对绘画本体语言的挖掘和充分表达，更个人化、更个性化和更情绪化。说白了艺术史就是一个语言细化的过程，但在日本物派之后，我们把语言呈现又回归给自然本身，彻底走入原本意识和物质的关系之中，实际上也就终结了美术史上的抽象主义的实验过程。很自然从美术史的角度而言，无论表现主义，抽象主义、极简主义、激浪派、贫穷艺术和大地艺术等等艺术流派都已经是完成时。

现在谈抽象是因为抽象艺术为我们提供了最有价值的视觉实验的成果，它无疑是最贴近艺术原本的核心地带的，也是现代艺术的纯粹的思维方法，从这个原点再次出发，我们不仅可以并入现代主义的轨道，更能纳入视觉艺术的国际当代艺术的主流和舞台。所以我说抽象与极简主义这既是一个制高点，同时也是一个终点，更是一个起点，因为这是一个选择的时代。