从杰夫·昆斯（Jeff Koons）在希腊九头蛇岛上的最新个展《阿波罗》，到丹尼尔·阿尔沙姆（Daniel Arsham ） 在马赛的《多彩干预》，作为艺术爱好者，这些正在进行的精彩展览，不能错过。
【01】
杰夫·昆斯全新个展，用艺术对话古今
杰夫·昆斯，阿波罗风车，（2020-2022 年）
《阿波罗》展览海报，2022，图片由戴斯特基金会提供。
美国艺术家杰夫·昆斯（Jeff Koons）于九头蛇岛（Hydra）的屠宰场空间项目举办个展《阿波罗》。此次展览为昆斯暌违超过20年后，再次于希腊举办个展。展览已于2022年6月21日开幕，并将展至10月31日。
此次展览展出了多件杰夫·昆斯的新雕塑与装置作品，期待观众能在希腊这个西方文明的摇篮，进行一场牵起当代与古代文化符号之间的形而上对话。旧屠宰场空间内的墙壁运用了庞贝古城附近博斯科莱尔（Boscoreale）出土的古代壁画为灵感进行绘制改造。
杰夫·昆斯现场展出的新作品，包括一双由青铜打造的多彩耐克运动鞋，作品简单直白的命名为《耐克球鞋》（Nike Sneaker，2020-22）可视为奉献给太阳神阿波罗的一个现代化的祭品。《凝视球（三角架）》（Gazing Ball Tripod，2020–22）便是延续其《凝视球》系列作品，将其标志性的气球狗、悬挂爱心等反光雕塑的美学形式浓缩凝聚成一个美丽而精致的光滑球体，并在阳光明媚的希腊海边映照出了无限美好的风景。
杰夫·昆斯也于展览中向影响自己创作深远、开创以“现成物”（ready-mades）制作作品并挑战西方艺术传统的马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）的小便斗致敬。将古今西方艺术经典于一个地点牵起关联，于展览中巧妙错置便是艺术家企图邀请观众对于艺术本质进行反思。
【02】
路易斯安那现代艺术博物馆：
多萝西·扬诺个展
美国艺术家Dorothy Iannone（多萝西·扬诺），以标志性的迷幻风格描绘了情欲与爱情。她的视觉语言来自埃及壁画、拜占庭马赛克、古代生育雕像、日本木刻、希腊花瓶、宗教图案等。她的早期作品受到了抽象表现主义的影响，显示出令人惊叹的艺术天赋，但当她和抽象主义分道扬镳，开始更偏向叙事和其平面表达时，却真正找自己独特的声音，文字、人物、丰富的装饰和独特的艺术人像浸满她的作品。
《自由女神像》，2019，丙烯于墙，尺寸可变
《自由阁下》，丙烯和墨水于木，155.8 x 129.5 x 22 cm
多萝西·扬诺在1960年早期联合创立经营一个纽约画廊时，和George Herms等“垮掉派”拼贴艺术家建立了联系，和诗人Emmett Williams一起探索“激浪派”精神。多萝西·扬诺内的画迅速生长成了她再也没有丢弃的解说形式。不管她画笔下的人物身着衣服还是赤裸，艺术家都会故意展露他们的隐私部位，作为呈现两性的一种代码。此次展览日期至9月11日。
【03】
丹尼尔·阿尔沙姆：
法国马赛 MAMO 的“乐模篮球”
丹尼尔·阿尔轩“Le Modulor du Basketball”于MAMO艺术中心展览现场, 2022. 图片提供：艺术家与贝浩登
丹尼尔·阿尔轩“Le Modulor du Basketball”于MAMO艺术中心展览现场, 2022. 图片提供：艺术家与贝浩登
丹尼尔·阿尔轩“Le Modulor du Basketball”于MAMO艺术中心展览现场, 2022. 图片提供：艺术家与贝浩登
丹尼尔·阿尔沙姆（Daniel Arsham ）以其时尚的腐朽技术设备和摇摇欲坠的文物雕塑而闻名，他创作的艺术看起来好像是在考古挖掘中发现的。这位美国艺术家和设计师长期以来一直是传奇建筑师勒·柯布西耶 (Le Corbusier) 的粉丝，甚至在他于 2020 年被任命为克利夫兰骑士队的创意总监之前，他就以 2019 年版的印度休闲椅 V和篮球运动向他致敬。
丹尼尔·阿尔轩“Le Modulor du Basketball”于MAMO艺术中心展览现场, 2022. 图片提供：艺术家与贝浩登
此次展览，丹尼尔·阿尔沙姆将作品与 MAMO（Marseille Modulor）的场地特定展览“Le Modulor du Basketball”结合在一起。这是一个项目空间，位于 Corbusier 于 1945 年设计的马赛公寓楼 La Cité Radieuse 顶部。
丹尼尔·阿尔轩“Le Modulor du Basketball”于MAMO艺术中心展览现场, 2022. 图片提供：艺术家与贝浩登
该建筑于 2016 年被联合国教科文组织列为世界遗产。将旧屋顶体育馆改造成篮球场，丹尼尔·阿尔沙姆将柯布西耶的许多标志性动机运用到他的动态设计中，篮球架的灵感来自柯布的张开手符号，对红色、黄色和蓝色的使用，则参考了法国建筑师 1955 年的一系列绘画和文字。然而，在户外露台上，丹尼尔·阿尔沙姆以一对受希腊罗马石膏模型启发的青铜雕塑为主，这些模型嵌入了水晶以表示侵蚀。
【04】
瓦塞纳尔福林登博物馆：《地面》
安东尼·葛姆雷（Antony Gormley）作为世界知名雕塑艺术家，在四十多年的创作中不断地探索身体和空间的关系，试图在艺术中追寻人类存在对于自我以及自然的意义。他认为“艺术的意义在于交流生存的感受”。运用“人的体形”进行创作并将作品置于公共空间与自然环境中，探索意识与身体、人体与空间的关系，是他近年来的主要创作主题。此次展览让观众更加直观地以接触安东尼·葛姆雷的作品，是直接和强烈的“沉浸式”体验，让观者进行身体与空间关系的思考。
安东尼·葛姆雷的作品风格主要可以分为三个阶段，从早期对人体雕塑与展示空间的理解，到装置作品与公共空间的联系，再到装置作品与自然环境的融合。可以看出，从室内空间到公共空间，再进入自然环境，他的情怀在不断放大，从“小我”逐渐走向“大我”。
这次展览是对他个人创作生涯的阶段性回顾，他雕塑作品中的人文关怀、装置作品中的“沉浸式”体验，以及从侧面展现出的他对人类精神世界的单纯思考，展厅中光影的变幻、时间的静止、空间的消解，都是他通过作品与展览传达出来的对生命存在的思考。展览日期至9月25日。
【05】
让·米歇尔·奥托尼尔：水之梦
艺术家让·米歇尔·奥托尼尔于1964年出生于法国的Saint-Étienne（圣艾蒂安）。艺术家庭的影响，很早就开始了个人的艺术生涯。自1980年代末以来，他探索了多种多样的艺术实践，包括摄影、雕塑、装置、写作和表演。这些跨媒介创作，以其精湛的造诣为人所熟知。他在作品中探索自我的缺失和存在，以及痛苦和失去所留下的创伤。欧托尼耶于1992年参加德国卡塞尔的文献展，从此真正登上世界舞台，并一举成名。
作为当今法国最具代表性的艺术家之一，让·米歇尔·奥托尼尔的作品早已遍布世界各地。无论蓬皮杜、凡尔赛宫，还是卡塔尔国家美术馆、古根海姆美术馆，极具个人风格的玻璃雕塑作品已被众多国际性艺术机构纳入永久馆藏，成为馆内标志性的藏品之一。
此次，受邀为历史悠久的 Postman Cheval 理想宫创建一个艺术装置，这位艺术家回忆起小时候参观过这座神奇的城堡，并研究了该遗址。研究发现，从 1879 年开始，Postman Cheval 则是用石头、鹅卵石和化石建造，历时 33 年。
让·米歇尔·奥托尼尔将水和光与他的手工玻璃球、砖块和彩色玻璃窗结合使用，创作出与宫殿迷人的外墙、壁龛和洞穴互动的艺术品。一个祭坛式的展示，位于宫殿的前面，它反映了Postman Cheval 用玻璃喷泉、图腾和抽象神灵建造的高耸建筑；色彩缤纷的彩色玻璃窗照亮了宫殿的室内装饰，在令人敬畏的境界中营造出一种精神上的体验。展览日期至11月6日。
【06】
Rashid Johnson：西班牙
豪瑟沃斯梅诺卡艺术中心的《苏打水》
拉希德·约翰逊（ Rashid Johnson）作为哈莱姆 2001 年开创性展览“自由式”中最年轻的艺术家，比该展览中的任何其他艺术家，都更接受策展人塞尔玛·戈尔登的“后黑人”文化概念。大约 20 年后，约翰逊的多媒体作品已经发展到涵盖范围广泛的日常材料和物品，同时探索各种方式，来表达他作为非裔美国人的经历。约翰逊的多学科实践现在涵盖雕塑、绘画、素描、电影制作和装置。
在豪瑟沃斯梅诺卡艺术中心，不仅有一个巨大的展览空间，还有一个小酒馆和花园，约翰逊的个展有两个主要的作品，来自他正在进行的焦虑人系列的绘画，以及来自一个名为的新作品的绘画和青铜雕塑。其中，约翰逊认为作品《海景），是他个人焦虑和我们集体焦虑的宣泄插图，呈现出被描绘成蓝色画布的潦草面孔的网格，他称之为瘀伤绘画，以及白色画布。与此同时，他的新海景探索了人类与海洋、陆地和水的关系，以及这如何为我们提供了逃生的机会。展览日期到 11 月 13 日。
【07】
马尼托加龙岩的 Formafantasma：
Russel Wright 设计中心
欧洲设计圈的明星设计组合Formafantasma由Simone Farresin和Andrea Trimarchi两名来自意大利的设计师组成。虽然两人都是意大利人，但两人从荷兰埃因霍温设计学院毕业后就选择留在了阿姆斯特丹发展，从他们的作品中不难看出荷兰设计实验精神对他们的影响。他们擅长在传统工艺与大自然中寻找设计灵感，他们不单单从设计的角度看世界，而是糅合了多种学科：生物学、社会学、美学、经济学等等。
Formafantasma很擅长制造惊喜，他们的设计偏向概念性，有着艺术化的呈现，但是比起虚无缥缈的“灵感”二字，他们的设计往往有迹可循，整个设计的过程呈现出来是一场完整的思维过程。
【08】
阿斯彭阿斯彭艺术博物馆
的《Gaetano Pesce: My Dear Mountains》
加埃塔诺·佩谢（Gaetano Pesce）这位极富传奇色彩的意大利国宝级建筑师、设计师、艺术家，作品横跨了建筑、城市规划、室内设计、工业设计以及展览设计等多个领域。当我们走近这位设计圈的先锋者、生活中的“老顽童”，就会发现为何他与他的作品总能如此备受追捧。
自2002年起，他开始进行“人无完人”系列创作，其中的椅子作品以抽象的形态刻画出来不同的人像。正如他本人所言，“不同是一种品质，而不是一个错误。能保持不同也证明了你是一个独立的个体。”同属于一个系列的椅子却有着各不相同的表达，可谓是千椅千面、气象万千，又因为树脂材料的流动性，又从色彩和形态上显现出自然而然的差异性。这一人性化的身份赋予行为，为原本冰冷的物品注入了温暖的灵魂。佩谢记录下这些形色各异的人，而正是这些“不同”的独立个体的存在，证明了这个世界的丰富多彩。
这次在阿斯彭艺术博物馆的展览，由两部分组成：第一部分是画廊展览，展示了 1968 年至 2022 年间制作的图片、家具、雕塑和船只，第二部分是覆盖博物馆外墙的特定地点的山脉装置，将其更多地与周围的乡村地区联系起来。展览日期至10月9日。
